DEU Die Arbeiten der Künstlerin Sara Mayoral bewegen sich an der Schnittstelle von Vergänglichkeit, Erinnerung und Transformation. In ihrer künstlerischen Praxis, die Video, Skulptur, Fermentation und performative Elemente vereint, manifestiert sich eine tiefgehende Auseinandersetzung mit dem Leben und seiner Fragilität. Dabei schwingt ihre Arbeit zwischen biografischer Introspektion und einer universellen Reflexion über Zeitlichkeit und Materialität. Für ihre Diplomausstellung schafft die Künstlerin mit „El Buen Morir“ eine zeitgenössische Installation mit dem Leitmotiv der Vanitas. Diese wird jedoch nicht nur dargestellt, sondern durch reale, sinnliche und geschmackliche Erfahrungen vermittelt. Ihr Werk ist eine Einladung, sich mit den elementaren Zyklen des Lebens auseinanderzusetzen - in einer Form, die uns unmittelbar betrifft: durch Nahrung, durch Ekel, durch Genuss. Statt den Tod zu bedauern, soll das Leben gefeiert werden. ​ Zentral in dieser Arbeit ist das Bild eines Banketts, das in Form von opulenten Blumen- und Lebensmittelarrangements inszeniert wird. Selbstgemachte Podeste aus Ton werden als Träger einer Bildsprache verwendet, die den Kreislauf des Lebens und die Unvermeidlichkeit des Vergehens thematisieren. Hängende Blumenarrangements, organische Glasobjekte  und Geräusche von zirpenden Zikaden verstärken das Atmosphärische der Szenerie. Viele der verwendeten Blumen stammen von einem Friedhof, wo Mayoral weggeworfene Blumen sammelte, um ihnen eine neue Bedeutung und eine zweite Existenz in ihrer Kunst zu verleihen. Das Geräusch der Zikaden hingegen repräsentieren ein Gefühl von Heimat. Auch Videoarbeiten sind erneut ein wichtiger Bestandteil der gesamten Installation. In diesen zeigt Mayoral zwei ihrer Familienmitglieder. Ihre Oma väterlicherseits, die bereits verstorben ist und ihre Oma mütterlicherseits. Während sie mit einer Oma einen gewöhnlichen Tag verbringt, ist auf einem anderem Bildschirm ein Friedhofsbesuch zu sehen. Die Ästhetik der Bilder bleibt simpel und gibt durch die einfache Kameraführung einen persönlichen Bezug. In der Darstellung persönlichen Erfahrungen entsteht eine poetische Verdichtung, die zwischen Intimität und Abstraktion balanciert. Damit lässt die Künstlerin das Publikum erneut an der engen Verbindung zu ihrer Familie teilnehmen. ​ Neben der visuellen Komponente spielt die sensorische Erfahrung des Werks eine wesentliche Rolle. Mayoral kreiert ihren eigenen Vermúth, aromatisiert mit Blumen und Kräutern aus den Regionen, die ihre Biografie prägen. So ist der helle Vermúth eine Hommage an Bayern und der dunkle an ihre Wurzeln in Spanien. Dieses alkoholische Elixier verbindet den Prozess der Fermentation mit Transformation. Aus Zucker wird Alkohol, aus Früchten entstehen Essenzen. Dies erinnert stark an die alchemistischen Traditionen der Renaissance, in denen Wissenschaft und Kunst oft eng miteinander verbunden waren. Mayoral verbindet die Arbeit an den Vermouths mit alchemistischen Konzepten von Verwandlung. Dabei geht es nicht nur um die materielle Veränderung der Substanzen, sondern auch um eine metaphorische Ebene. Erinnerungen, Emotionen und Traditionen werden in Flüssigkeit eingeschrieben und konsumiert. Mit ihrer nährenden Kunst knüpft Mayoral an eine subversive Kunstpraktik an durch den Geschmackssinn und das wortwörtliche Verdauen des Kunstwerks unweigerlich eins zu werden mit den verwendeten Materialien. Natürliche Materialien, die von der Künstlerin mit tiefem symbolischen Wert geprägt wurden. Sie lädt die Besucher*innen ein ihr eigenes Leben, ihre Geschichten, Erinnerungen und Liebsten in sich aufzunehmen und gewissermaßen ein Teil von ihren Erfahrungen zu werden. Dabei sind die Betrachtenden sind nicht nur Teilnehmende, ihre Interaktion mit den Materialien, die geschehenden Prozesse sind das Kunstwerk selbst. Hiermit kann die gesamte Installation neomaterialistischen Methoden zugeordnet werden, die die Auflösung von subjektiven Grenzen unterstützen. ​ Ein besonderer Moment der Spannung wird durch das Nebeneinander von essbaren, in Zucker konservierten Blumen, schmackhaften Elixiren, und verfallendem, schimmelndem Essen auf Podesten konstruiert. Hier wird der Ekel vor Verderbtem und die gesellschaftliche Verdrängung des Verfalls bewusst inszeniert. Der Kontrast verweist nicht nur auf die Feierlichkeit des Todes, sondern konfrontiert die Betrachter*innen auch mit dem Moment der Abjektion. Das Abjekte (nach der Phiosophin Julia Kristeva) beschreibt das Unheimliche, das uns an die Zerbrechlichkeit unserer eigenen Körperlichkeit erinnert, wie z. B. verwesende Nahrung oder organische Substanzen, die nicht mehr als „sauber“ oder „genießbar“ gelten. Ihr Ansatz fordert die Betrachter*innen auf, diese Abjektion nicht zu verdrängen, sondern sich ihr zu stellen und sie anzunehmen.